Lecturas PIIGS 2014 El Rescate (‘Resgate’), en cambio, de Armando Nascimento Rosa, pone la corrupción bancaria como eje de articulación de la acción dramática. El secuestro de un banquero y su secretaria desencadena un discurso en que le necesidad urgente del individuo topa con los grandes intereses financieros. No hay reconciliación posible. Nascimento mezcla la farsa con el teatro político, en una obra en que la urgencia y la seriedad de los planteamientos de los personajes conviven con la cómica realidad del momento.
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AutorArmando Nascimento Rosa
Dramaturgo portugués galardonado con el premio de teatro Revelação Ribeiro da Fonte 2000; premio de teatro Albufeira 2008; premio nacional de teatro Bernardo Santanero 2011, etc. Autor de más de veinte textos teatrales, la mayoría de ellos publicados y traducidos a diferentes lenguas. Sus obras se han estrenado o leído en diversas ciudades de Europa y América. Desde el año 1998 es profesor en la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa (Facultad de Arte Dramático y Cine). También es compositor y cantante, y actualmente se encuentra desarrollando el proyecto “O piano em Pessoa”, en el que se musicalizan poemas de Fernando Pessoa (espectáculo estrenado en octubre de 2012 en Barcelona, con el pianista António Neves da Silva). |
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DirectoraAdeline Flaun
Directora, actriz y locutora. Nacida en Martinica (Caribe francés), llega a Barcelona después de una temporada en Lille (Francia), donde crea su primera compañía. Se forma en interpretación con Moveo y con Javier Galitó-Cava, entre otros, y sigue monográficos al Obrador-Sala Beckett (Victoria Spuntzberg, Davide Carnevali, etc.).
Trabaja con directores como Frederic Roda, Josep Pere Peyró, Àngels Aymar, Nicolás Rivera, Quique Culebras, Javier Galitó-Cava, entre otros.
Crea la compañía Almaradas, con la que trabaja con textos comprometidos con la sociedad y que reflexionan sobre la absorción del ser humano por esta: El soroll dels ossos quan cruixen, Moi, Edouard Denan, Umbral, El ausente. Con Rescate, da un paso más en esta búsqueda. |
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Intérretes:Ildefons Vilanova
Sonia Espinosa
Toni Climent
Salva Soler
Traductor:
Pau Segalés (Instituto Camões de Barcelona) |
Lecturas PIIGS 2014 La obra de Darren Donohue, Turno de día (‘Dayshift’), es una obra coral en la que las referencias a Kafka y Orwell conviven con el recuerdo de ciertas propuestas narrativas del director de cine norteamericano Terry Gillian, en concreto, de su película más conocida: Brazil. En Dayshift, la empresa se convierte en el símbolo de la opresión del individuo. Una opresión que se disfraza grotescamente de salvación cuando se pretende convencer al trabajador de que es allí, en la sede empresarial, donde podrá dar pleno sentido a su existencia. La uniformización de toda diferencia, la imposibilidad de comunicarse, la inutilidad del ocio para conseguir la felicidad, son los recursos de la moderna vida laboral. Día, el protagonista, en el transcurso de un único día, desde el alba hasta que oscurece, nos recuerda el viaje iniciático del Leopoldo Bloom de Joyce. Pero mientras que este se pasea por todo Dublín durante aquel 16 de junio, Día se mantiene todo el tiempo encerrado en su empresa, donde, finalmente, morirá. Por supuesto, al final de su turno.
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AutorDarren Donohue
Dramaturgo y poeta residente en Co. Kilkenny, Irlanda. En 2013 fue becado por The Abbey Theatre, y su obra Home Game se estrenó en The Peacock como parte de su serie “Home”. También en 2013, su obra Keep the Home Fires Burning ganó el premio The Audience Choice Award @ Scripts del Festival de Dramaturgia de Irlanda. En 2012, su obra Tuesday Evening (Following the News) fue producida por Fishamble como parte de los Tiny Plays for Ireland, y recientemente ha sido publicada por New Island Drama. Dirigida por Alice Malin, su obra The Bird Trap se estrenó en The Lost Theatre de Londres. Darren fue finalista del premio Hennessy Literary en 2010, y actualmente es uno de los seleccionados para el premio Hennessy Literary de 2014.
Entrevista amb l’autor …
1.-¿Cómo surgió la idea de escribir esta obra?
Con “Dayshift” quería explorar las consecunencias de sacrificar nuestra moral común e the consequences of sacrificing our common morality upon the altar of materialism. It looks at what happens when the human spirit in placed within an environment where everything is for sale and nothing has value. I utilised a strong experimental style, rich in imagery to tackle this issue.
2.-To what extent do you think this reflects the current situation in your country?
With the collapse of the Church in Ireland, materialism filled the spiritual void in our society. The “Things” people owned, their occupation and the pursuit of wealth gave people a new purpose and meaning to their lives. Of course, with the economic crash, all these newfound certainties were once more throw in the air. “Dayshift” reflects and explores this process using humour and an avant-garde approach to theatre.
3.-How would you define your style of writing?
I like to write toward an image, using dialogue and humour to disarm and hypnotise the audience, preparing them to accept the image I’m attempting to convey. A potent image can define a culture and a nation, become a compelling symbol of how we understand and relate to each other.
4.-What is theatre for you?
Theatre is our gateway into the marvellous.
5. Is there a relationship between the journey of alienation suffered by Mr Day and your daily life as a playwright?
The artist is always an outsider in society. This positon grants them an original perspective which filters into their work. In all my plays, I try to reimagine the world and our place within it. I want to sink beneath the surface of “everyday reality” to pluck at the delicate treads which keep us tethered to hope and salvation. |
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DirectoraMarilia Samper
Actriz, directora y autora teatral. Nacida en São Paolo. De madre brasileña y padre sevillano. Se instala de manera permanente en España después de vivir en diferentes países. Estudia interpretación en el Instituto del Teatro de Sevilla, y trabaja con diferentes compañías de la ciudad, como Viento Sur Teatro, La Matrona y el Centro Andaluz de Teatro. Como directora y dramaturga se forma en el Institut del Teatre de Barcelona. Desde entonces ha ido desarrollando su trayectoria como autora y directora, y ha sido representada en los escenarios más emblemáticos de Barcelona.
Entre sus textos destacan: Pequeños monstruos (Nau Ivanow, Festival Grec de Barcelona, 2013), Udol (Teatre Lliure, Festival Grec de Barcelona y Cía. Q-Ars Teatre, 2012), L’ombra al meu costat (Proyecto T6, TNC, 2012), Pleasure and Pain (Sala Beckett, Barcelona, 2011), entre otros. Como directora, destacan las siguientes obras: Pulmons, de Duncan Macmillan (Sala Beckett, 2014), Si existeix, encara no ho he trobat, de Nick Paine (Sala Beckett, 2013), Suïcides, de Llàtzer Garcia (Teatre de Bescanó, 2012) y Treballs d’amor perduts, de W. Shakespeare (Parc de l’Estació del Nord, 2012), entre otras. |
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IntérpretesTeatre de l’Enjòlit.
Compañía de actores y actrices formada por Elies Barberà, Albert Alemany, Marta Montiel, Jenny Beacraft y Arnau Marín. Entre sus espectáculos encontramos Potser somniar (espectáculo de creación), En la primavera perpètua, de Elies Barberà, Corrüptia, de Josep Lluís Fitó, Paella amb botifarra, d’Iban Beltran y Elies Barberà, Si no ens paguen, no paguem!, de Dario Fo, y El setè cel, de Caryl Churchill. |
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Traductora:Rocío García Recuenco |
Lecturas PIIGS 2014 Confesión (‘Confessione’), de Davide Carnevali, es una reflexión sutil sobre los mecanismos del poder, sus autojustificaciones, la percepción y el rol del sujeto elector visto desde la perspectiva de un gobernante escogido democráticamente que no respeta la democracia. Carnevali pone posiblemente el dedo en la yaga cuando centra su discurso en el núcleo de la perversión del sistema, porque es desde ahí desde donde las relaciones económicas y políticas se pervierten de manera inevitable.
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AutorDavide Carnevali
Davide es doctorando en Artes Escénicas en la Universidad Autónoma de Barcelona. A su actividad académica se suma la de traductor del castellano y del catalán al italiano, y la de docente, impartiendo talleres de teoría del teatro y escritura dramática. También escribe para diferentes revistas de teatro. Entre sus obras destacan: Variazioni sul modello di Kraepelin (premio Theatertext als Hörspiel / Theatertreffen Berlín, 2009, premio Marisa Fabbri, 2009, premio Journées de Lyon, 2012); Come fu che in Italia scoppiò la rivoluzione ma nessuno se ne accorse (Premio Scintille Asti Teatr, 2010, Premio Borrello, 2011); Sweet Home Europa (estreno europeo en el Schauspielhaus Bochum, 2012); Ritratto di donna araba che guarda il mare (Premio Riccione per il Teatro, 2013). Sus obras se han presentado en diversas reseñas internacionales, y se han traducido al alemán, castellano, catalán, estonio y flamenco. Entrevista con el autor … 1.-How did the idea of writing this play come to you?
When I was living in Buenos Aires, I lived near Congreso, the Argentine parliament, a few minutes walk from the Casa Rosada, the executive mansion of the President, and from the Museo del Bicentenario, which traces the political history of the country from its birth until today. The Argentine politics is a fascinating subject, as well as his greatest mystery, the Peronism. A label that somehow unifies a wide sort of opposed political strategies, for example that of Kirchner and that of Carlos Menem, the president who, from 1989 to 1999, shaped the image of the Argentina before the crisis. A country which was rich, neo-liberal, cool; a country who aspired to the ethical and aesthetic model embodied by its chairman. A president who brought the country to the brink of the abyss, and dropped it, without anybody noticed. That’s fascinating, in my opinion: how a president can distract his country and make the truth go unnoticed.
2.-To what extent do you think that reflects the current situation in your country?
The economic crisis we are experiencing in Europe resembles that experienced by Argentina a decade ago. In both countries a macroeconomic policy that leads to loss of monetary sovereignty has been pursued. Although there are differences in comparing the Dollar, a foreign currency, to the Euro, which is a common currency, whereby each country should, ideally, has power of decision on it. The truth is that the ECB is quite influenced by the decisions of the Bundesbank and the German political weight. As a result, the countries that suffer most from the crisis (Greece, Portugal, Ireland, Italy, Spain) have very little autonomy in financial management, and that somehow reminds the dependence of Argentina to the USA and the IMF in those years. When a country has no autonomy in terms of monetary policy, it can only cut costs, privatize, dismiss the social system. Hence elected governments lose all effectiveness and prefer to declare a sort of «state of emergency» leaving political liability side of an assumed financial responsibility.
3.-How would you define your style of writing?
This play is very different from what I’m used to write. In open opposition to the political rhetoric (and therefore in some way to the theatrical rhetoric), the story is flowing clear, simple. It has been conceived as an Argentinian “unipersonal”, a monologue for one actor, easy to stage and easy to move, with no need of money to do it, nor complicate technical requirements.
4.-What is the theatre for you?.
Theatre is the only art in which the clash between word and body, between reality and discourse about reality, happens live in front of the public. Thus theatre is a powerful tool to explore the method of construction of reality through language.
5. What has Carlos Menem of Silvio Berlusconi and S.Berlusconi of C.Menem? And to what extent have you used both to create a syncretic character like «Menem» of Confessione ?.
There are many similarities between Menem and the figures of Silvio Berlusconi or José María Aznar, for example. They are all rich, powerful, friends of magnates and tycoons. They are all faithful to the liberal doctrine of the United States. They are all graduates in law, and, paradoxically, all of them were somehow beyond the law. And most importantly, they knew how to exploit their image, building through the medias an «attractive» character to the citizens’ eyes. |
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DirectoraBeatriz Liebe
Universidad Católica de Chile. Combina su trabajo de dirección escénica con el de gestión cultural en diferentes entidades: codirige la plataforma de promoción de la autoría dramática “perpetuum” (www.perpetuum.cat), es directora artística de la compañía TUVALÚ produccions (www.tuvaluproduccions.com), responsable de proyecto en la Fundació Xarxa (www.fundacioxarxa.cat), y productora ejecutiva de L’Altre Festival d’arts escèniques i salut mental (www.laltrefestival.cat).
Desde el año 1997 ha participado en más de 25 obras de teatro, cine, ópera y performance, entre las que destacan: Dow Jones (Vallromanes, 2013), DIVISIONS (Nau Ivanow, 2012. Festival Off Avignon 2013 – Programa Avignon à la Catalane), Alades Paraules (Convent de Sant Agustí, 2009, Premio al mejor proyecto de teatro visual, Institut del Teatre, 2009), Mon Amour (Museo Comarcal del Montsià. Festival STROBE, 2008), Los Niños de Morelia (Barcelona y gira por España, 2008-2010) Agnus Lupus (Aula de Titelles, Institut del Teatre, 2007), Tuvalú (La Farinera del Clot, 2005), entre otras.
Es creadora y organizadora del Festival PIIGS, conjuntamente con Rosa Moliné y Antonio Morcillo, y dirigió la lectura de Confesión, obra del dramaturgo italiano Davide Carnevali. |
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Intérprete
Xavier Capdet
Traductor
Angelo Costantini (Istituto Italiano di Cultura di Barcellona)
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Lecturas PIIGS 2014 En Στεγη (‘Tejado‘) de María Tranou, el humor es extremadamente negro, y la situación y el lenguaje huyen del realismo para refugiarse en Beckett. El lector no sabe exactamente qué pasa en casa de esta familia griega. La historia está dislocada, igual que los personajes, que también están dislocados por las deficiencias alimentarias y vitales que sufren. Los saltos en el pensamiento de los personajes se corresponden con la falta de una lógica narrativa en uso. Pero así y todo, la violencia y la degradación se abren paso en la obra de manera implacable.
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AutoraMaria Tranou
Máster en escritura escénica y televisión en el Royal Central School of Speech and Drama, Universidad de Londres. Sus obras más destacadas son: Cows (estrenada en el Theatro tou Neou Kosmou, Atenas, 2007), Rebirth (Heraclion City Walls, Creta, 2009), New Dad (Battersea Arts Centre, Londres, 2010), Îœammal, love, (lectura dramatizada en el Factory Theatre, 2010). Premio Nacional (teatro infantil) del Ministerio de Cultura Griego en 2006 por su obra Where Liromions Grow. Tiene publicados dos libros de poesía (Mandragoras Publishing House, 2008 y 2013.) Entrevista con la autora …
1.How did the idea of writing this play come to you?
There is not a single Greek I have met (this definitely excludes the upper echelons as they inhabit a different universe internationally anyway) who will not admit to a constant feeling of being severely violated, more degradingly so during the last few years. Any sense of hope or prospect of some sort of future or even present has been violently extinguished. I needed to show how organic, incessant and ruthless this degradation is and more importantly how distorting its effects are on our essential humanity. Because a financial crisis, be it real or a construct, is one thing, but what it does to people and their human values is even more disturbing. Internalising the we-are-good-for-nothing-propaganda, facing a state that in all its dealings considers citizens as guilty of still surviving, only adds to how suffocating the current condition is to any human being. The crisis manifested itself by the stripping off of possessions and basic standard of life but continued its effect, via the always classic, but so well-orchestrated “divide and conquer” rule to a splitting of society into scared individuals and ultimately to a stripping of minimum human values. At the same time, luckily enough, there is memory of times where our basic decency was not perfect, but definitely there, as an intrinsic part of our lives. This is where the characters in my play come from.
2.-To what extent do you think that reflects the current situation in your country?
What I described above is the mechanism that I have been witnessing throughout these years, though its seeds were there all along. In stages it has been like this: media spreading worry and eventually terror as to the country’s future, the official state relaying and investing on the all-important central european message of how “bad” we have been, media highlighting how overprivileged some professional groups have been, people getting more and more the sense that their enemy is basically everyone else. Under this widespread fear and utter mistrust of any other person, the average person now acts as if the enemy is someone next door. The mere experience of existing in this country has blindsided us to the fact that the enemy might be above us, not next to us. When you take these factors into account, this play is hardly a surrealist take on what is going on.
3.-How would you define your style of writing?
I have come to realise that every time a new content comes up with its mysteriously to me preordained form. Every time the content somehow dictates its style of preference, it is like a condition I have to follow up every single time I start working on a play. So all I can say about my style is that it always strives towards serving and highlighting the content to its best effect. Having said that, if I had to use the usual terms, I’d say realism does not cut it for me, I’d even go as far as saying that realism is not enough for a theatre that is interested in social change. It has been my impression that most times, deliberately or not, realism works as a reaffirmation of our inherently violent bourgeois existence, comforting the audience to a point that is ideologically questionable. I need to be unsettled by the theatre, not reassured that my life is better than that of the fictional characters. I’d rather feel more alive and aware than before so this essential need informs and shapes whatever I write in any medium or format.
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DirectorAntonio Morcillo
Director y dramaturgo formado en el Institut del Teatre de Barcelona y en diversos seminarios impartidos por Martin Crimp e Yves Lebeau, entre otros.
Entre sus textos destacan Bangkok (ganador del Premio SGAE de teatro, 2013), Dow Jones (Teatro de Vallromanes, 2012), Al Hoyo (publicado por la revista ADE, 2009), El Tiovivo (publicado por la AAT y estrenada en el 32.ª Sitges Festival de Teatro Internacional, 2001 y en el Teatro Tantarantana, 2004), Firenze (publicada por Arola editores, 2003 y lectura dramatizada en la Sala Beckett, 2008), En experimentos con ratas (ganador del Premio SGAE de teatro, 2007), Despedida II (ganador del Premio SGAE de teatro, 2001) y Los Carniceros (ganador del Premio Marqués de Bradomín, 1998), entre otros.
Entre sus direcciones destacan: Dow Jones (codirección con Beatriz Liebe, Teatro Municipal de Vallromanes, 2013), Hipòlit o la mirada d’Hipòlit (Teatro Municipal de Vallromanes, 2011), A dues bandes (Auditorio Caixa Fòrum, 2010), Aoi (Caixa Nova, Vigo, 2010), entre otras.
Actualmente es director artístico de la plataforma de promoción de la autoría dramática “perpetuum” (www.perpetuum.cat) y profesor de escritura y expresión oral en la UNED.
Conjuntamente con Rosa Moliné y Beatriz Liebe, es creador del Festival PIIGS y responsable de su coordinación. En el Festival PIIGS se encargó de dirigir la lectura de la obra La Teulada de la autora griega Maria Tranou. |
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Actrices:
María Ramírez
Melisa Fernández
Laura María González
María Rodríguez
Joan Pascual
Traductoras
Marta Torras
Marta Roigé |
Lecturas PIIGS 2014 La crida recoge los ecos poéticos de Koltés para hacer una llamada a la sociedad que, a la vez, es amenaza y auxilio. Ferran Joanmiquel se refleja en la actualidad catalana para adentrarse en las causas de la xenofobia. El discurso político y la represión mental se funden y se separan continuamente en este grito de dolor y exclusión. El miedo y la atracción por el Otro causan fricción al interior del personaje: el lenguaje lo único que puede hacer es exponer la belleza y el terror al conflicto.
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AutorFerran Joanmiquel Pla
Se forma como actor en El Galliner de Girona, y en danza contemporánea, en los centros Área y La Caldera. Trabaja como bailarín en las compañías Búbulus Menuts e Iliacan, y como actor en diversas producciones. Se forma en dramaturgia en diferentes cursos de la Casa de Cultura de Girona y del Obrador de la Sala Beckett. Varios de sus textos han sido premiados. Algunas de sus obras estrenadas son: Apareguda (Banyoles, 2011), Dinou (dirección de Carles Fernández Giua, Temporada Alta, 2011), y, con la compañía El Mirador, en la sala La Planeta: Satori Park (2010) y Desitjar viure en un país sense vent (dirección de Sílvia Escuder, 2012), y La nit dels ganivets roents (dirección de Elies Barberà, 2014). También dirige el monólogo Vidres als ulls con la compañía Cos a Cos (La Planeta, 2013). Entrevista con el autor …
1- ¿Cómo surgió la idea de escribir esta obra?
Hacía tiempo que tenía en la cabeza escribir algo sobre un personaje reaccionario. Al principio tenía que ser una mujer, y la historia debía tener algún tipo de relación en el movimiento francés conservador “Manif pour tours”, pero la cosa fue evolucionando hasta llegar al actual personaje de La crida. El hecho de darme cuenta de que la extrema derecha está experimentando un crecimiento notable en diversos países europeos hizo que me decantara definitivamente por esta opción.
2- ¿Hasta qué punto crees que refleja la situación actual en tu pais?
Tenía claro que no quería hablar de algo que pudiera ser entendido exclusivamente en clave estrictamente catalana, sino que quería reflexionar sobre el hecho de la crisis económica desde un prisma más global (europeo) en el sentido que el tema pudiera representar también otras realidades europeas. Al mismo tiempo, he huido deliberadamente de querer retratar el fascismo españolista porque, como catalán, era demasiado fácil caer en esta tentación, y creo que hubiese sido un error. Evidentemente, también existe un fascismo ultranacionalista catalán (representado, por ejemplo, por Plataforma x Catalunya y sus escisiones). También cabe decir que el texto está pensado de marera en que cada país pueda adaptar sus referentes socioculturales más emblemáticos. Lamentablemente, me parece que es bastante común y representativo de varios países (y por supuesto del nuestro también) el hecho de que cuando hay dificultades económicas hay la tendencia de echar balones fuera y culpabilizar al otro.
3- ¿Cómo definirías tu estilo de escritura?.
De entrada, diría que tengo una tendencia natural a huir del realismo. Me atrae lo poético, con personajes que tengan los pies bien puestos en el suelo pero que sean capaces de cierto lirismo, ya que soy de la idea de que este tipo de introspecciones ayudan a entender (aunque no sea de una manera explícita y racional) el mundo interior de los personajes, y a nivel de escritura te permite apuntar hacia sitios no convencionales. Me gusta que cada texto que escribo sea diferente del anterior, en la forma y el contenido. En el caso de La crida, un gran referente ha sido, sin duda, Koltès.
4- ¿Qué representa el teatro para ti?
Para mí, el teatro es básicamente un espejo. Un espejo que nos devuelva la imagen de lo que somos y lo que hacemos como individuos y como sociedad. Porque en el teatro experimentamos la paradoja que vivimos en la vida real pero de una manera mucho más concentrada, como si fuera una especie de vida elevada al cubo. Para mí, el teatro es también un juego, metáfora, algo que se hace artesanalmente, con amor y respeto. En La crida hay, de hecho, esta voluntad de querer ser una especie de espejo en el que el público se pueda reflejar, ya que lo más importante de la obra no es tanto hablar de la peligrosidad del ascenso de la extrema derecha en Europa (que también), sino que nos damos cuenta de que, quien más quien menos, todos tenemos prejuicios, y esto es algo que debemos saber encarar.
5- Hasta qué punto has querido escribir una aviso al público y hasta que punto una historia para entender a este personaje.
Creo que las dos cosas van de la mano, es decir: en La crida hay, por un lado, la voluntad de decir “ey, al loro, que esta gente se está situando en los parlamentos de muchos países europeos, tenemos que ir con cuidado”, una voluntad de advertencia, pero también hay la voluntad de querer entender (que no de justificar) al protagonista desde su lado más cercano y humano, si no me daría la impresión de que como autor estaría prejuzgando demasiado al personaje, y eso no me permitiría escribir con suficiente libertad.
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DirectoraEster Nadal
Actriz, directora y profesora de teatro. Estudió en el Institut del Teatre de Barcelona y en el Col·legi del Teatre de Barcelona, donde actualmente da clases. Es diplomada en L’École Internationale de Théâtre de Jacques Lecoq de París.
Ha trabajado como actriz en diversos espectáculos bajo la dirección de directores como Jordi Mesalles, Calixto Bieito, Yvette Vigatà y Joan Ollé, y como ayudante de dirección con Jordi Mesalles, Calixto Bieito, Georges Lavaudant y Xavier Albertí. Ha sido ayudante y adjunta de dirección de Joan Ollé durante diez años. Sus colaboraciones se han podido ver en el Teatre Lliure, Teatre Romea, Festival Grec, Festival Temporada Alta de Girona y Festival de Teatro de Mérida, entre otros.
Como directora de escena, ha trabajado en espectáculos de creación como El vigilant del no-res, Un tramvia anomenat desig y Badomies o moviments musicats de cinc faules de La Fontaine, producidos por la Escena Nacional de Andorra, y también con autores como Alfred Jarry, Roald Dahl y Natacha de Pontcharra, etc. Estos espectáculos se han podido ver en Andorra, Blanes, Barcelona, Foix y París.
Fundadora y directora artística de la Fundació Escena Nacional d’Andorra desde 2007 hasta 2012, entidad patrocinada por el Govern d’Andorra, la Fundació Crèdit Andorrà y el Comú de la Massana. |
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Intérprete
Jordi Subirà |
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